BonAntonio X

И это хорошо, имхо. Вампирка мне в целом понравилась: ощущения, как будто в «Vampire the Masquerade» только что поиграл. Ход мыслей и манера действий точно вампирские у неё. А пророчество добавляет мистического весу всему, что происходит, и всем, кто в это вовлечён. Ещё товарищ Годнов стоит упоминания, всегда приятно видеть соотечественников в аниме. И анимация мне в «Cop Craft» что-то не сильно нравится: я постоянно вижу эти хитрые ходы аниматоров, когда статичный кадр пытаются замаскировать под анимацию, а получается это сделать не очень, и иллюзия испаряется.

Сериал тоже неимоверно понравился, но писать про него боюсь: во-первых, придётся пересмотреть снова, а во-вторых, я просто захлебнусь искать, проверять и уточнять все местные детальки культурного, эзотерического, географического и прочего толка. Очень много всего Икухара уместил в сериал, как обычно. Ну, а стилистическая составляющая тут безупречна. И, разумеется, в разборе первых двух серий я не всё угадал.

«Punch Line», 2015 Выходной. Просто днём включил первую серию и как-то незаметно посмотрел весь сериал! Яркий, сочный, насыщенный, лёгкий, озорной, неожиданный - у меня только такие эпитеты. Итак, что у нас тут? Картинка в целом и дизайн персонажей в частности, в которые вложили душу.Дерзкий, энергичный и футуристично звучащий танцевальный саундтрек от композитора, на которого никогда раньше не обращал внимания, хотя послужной список его при ближайшем рассмотрении впечатляет: столько именно открывающих и закрывающих песен к достаточно громким сериалам через него прошло, оказывается. Но как музыкальный продюсер дядька, похоже, ещё гораздо более успешен: как вещает MAL, он наиболее успешный японский музыкальный продюсер и вывел танцевальную музыку в японский мейнстрим - вот честно, в OST'е это чувствуется.Задорный и озорной OP, уже более лиричный ED.Опытные актёры озвучки: Кугимия Риэ, Томацу Харука, Марина Иноуэ - уже «вау», а ведь я только по верхам пробежался.Полный резких поворотов сюжет, запутанный и раскрываемый зрителю в духе визуальных новелл, в одну из которых вскоре данный оригинальный ТВ-сериал и адаптировали. И не смотрите на вездесущие трусы: хоть один из вариантов русского названия и считает, что суть в них, - не верьте! Сила в Правде!Безудержный и необычно поданный супергеройский экшн, мягкая эротичность повседневных сцен, слегка подтрунивающее персонажей истории ироничное чувство юмора, до последнего скрываемая от зрителя драма, шаг за шагом вскрываемая по мере знакомства с героями истории, ограниченными практически одной лишь только сценой маленького общежития, вокруг которого в итоге закручивается тем не менее заговор, по сути, мирового масштаба.Нарастающее с каждой серией аниме-безумие и очень правильный горьковато-светлый финал с чисто мужским поступком и торжеством справедливости с ответственностью, аж чуть не прослезился. Теперь обязательно заграбастаю себе игру, наверное, на Виту. 10 из 10. А вот и OP с ED: Скрытый текст

С места событий: «Как зародилось аниме? История мира покемонов» — Юлия Магера Очень повезло накануне узнать о проведении данного мероприятия, посвящённого новой неплохой серии «покемонистых» футболок UT GRAND PRIX 2019 магазина Uniqlo, так что заставил себя съездить к месту событий в ТРК «Атриум» и совершенно не пожалел: лекция выдалась исключительно приятной и воодушевлённой, лаунж-зона организовавшего всё Музея современного искусства «Гараж» в Uniqlo была весьма плотно усажена посетителями, а Юлия Магера с интернет-портала «Мангалекторий», лично мне уже знакомая по серии встреч с Риёко Икэдой, очень интересно и увлечённо раскрыла обозначенный в заголовке материал, по которому сейчас и пробежимся, покуда впечатления ещё свежи. Итак... Хотя название «Как зародилось аниме? История мира покемонов» и не противоречит никоим образом содержанию лекции, ведь облачает собой её начало и конец, посвящена последняя была скорее эволюции и смещению акцентов идейного содержания японской анимации на протяжении всего её развития, поворотным моментом в котором был приход в индустрию «бога манги» Осаму Тэдзуки, результатом чего явился перенос ударения с истории в целом, где персонаж был лишь одним из структурных её элементов и зависел от неё, на самого персонажа истории, который теперь оказался способен существовать, быть узнаваемым и популярным вне неё и сам по себе + сам стал не менее сложной системой, собираемой и разбираемой, точно так же, как и целые истории до этого, из множества разнообразных элементов, образов и идей, новых и заимствованных из широкого круга источников, с тем, чтобы рождать в новой среде существования невиданные ранее смыслы и вызывать у своей целевой аудитории неслыханный ранее отклик. Венцом этого рассуждения, начавшегося с беглого обзора первых представителей японской анимации, стал анализ образа, наверное, самого популярного и известного покемона - Пикачу. И это такая химера, скажу я вам, что диву даёшься! Да и вообще интересных фактов о том и этом было много — каждый в обсуждаемой лекции почерпнул бы для себя что-то новое. Ну, а теперь остановимся на всём подробнее и по порядку, ведь у меня шесть страниц конспекта! Начала свою речь лектор Юлия Магера с беглого, ввиду скупости имеющейся информации, упоминания не сохранившихся до наших дней ранних представителей японской анимации вроде «Рассказа о привратнике Мукудзо Имокаве» («Imokawa Mukuzo Genkanban no Maki») 1917-го года выпуска режиссёра Отэна Симокавы, вслед за чем последовал гораздо более подробный рассказ о считающемся первым или одним из первых образчике в ту пору носившей ещё название «манга-эйга» («кинокомикс») японской анимации— «Namakura Gatana» («Тупой меч») режиссёра Дзюнъити Коути и всё того же 1917-го года (по данным других источников, первым было «Katsudou Shashin»). Данный короткометражный мультфильм был около десяти лет назад чудесным образом обнаружен в антикварном магазине и отреставрирован Национальным центром кино Национального музея современного искусства в Токио. Простой и понятный даже без утерянной ныне закадровой речи рассказчика сюжет «Тупого меча», включение туда японской традиции «тамэсигири» («пробный удар мечом»), легко узнаваемые образы самурая или слепого музыканта, эксперименты с приёмами театра теней и немого кино, речевые пузыри, анимированные нотные знаки для обозначения игры на музыкальном инструменте и ставка на примитивную комичность и простую мораль показываемых ситуаций — в таких средствах аниматоры того времени искали ответы на вопрос, как отобразить историю анимационными средствами. Похожие закономерности прослеживаются и в прочих подобных работах того времени, среди которых можно выделить «Краба и обезьяну» (1917) или «Урасиму Таро» (1918) режиссёра Китаямы Сэйтаро по одноимённым японским народным сказкам (раз и два), а среди более поздних примеров — «Деда Кобутори» 1929-го года плодовитого режиссёра Мураты Ясудзи и снова по мотивам народной сказки, вариация которой встречается и в британском фольклоре, если верить книжке «Японская нечисть. Ёкаи и другие» А.В. Власкина, где «Дед Кобутори» также был коротко освещён в главе про Тэнгу. В основе всех трёх работ положены уже фольклор и его сказочные герои, которые, впрочем, в силу своих особенностей тоже близки и понятны каждому, как понятна и мораль таких историй. В сохранившейся версии «Деда Кобутори», помимо всего прочего, присутствует музыкальное сопровождение, а куда более осмысленная история рассказывается на манер немого кино посредством текстовых вставок с нарративом и диалогами, причём теперь это уже не эксперимент, а вполне освоенная техника, учитывая то, что она положена в основу. Никуда не делся и театр теней, да и детализация картинки возросла в сравнении с предыдущими примерами, а, впрочем, смотрите сами: В японские 40-е анимационная продукция Страны восходящего солнца по понятным причинам отличалась новыми элементами идейного содержания. Для работ этого времени были характерны пропагандистская направленность, военные мотивы и политическая карикатура, притом на произведения народного творчества ссылаться они не перестали. Яркими примерами этому будут «Momotaro no Umiwashi» («Морские орлы Момотаро») 1943-го года и «Momotaro: Umi no Shinpei» («Божественные моряки Момотаро») 1944-го режиссёра Мицуё Сэо. В названиях обеих работ фигурирует «персиковый мальчик» Момотаро из народных сказок, а в самих фильмах отдельные нации и их качества сопоставляются с оными у животных и мифических существ: так, японцы за свою преданность сравниваются с собаками, а американцы — так и вовсе с чертями! Оба фильма прекрасно себя чувствуют на «YouTube» ( и ). Далее речь зашла о студии Тоэй, тогда ещё «Toei Douga» (от яп. «Douga» — «движущиеся картинки»), и её основателе Окаве Хироси, которым она позиционировалась как «студия Уолта Диснея на Востоке». На достижениях в анимации Диснея и строила свой успех студия Окавы Хироси, экранизируя в характерном западном стиле произведения японских и китайских легенд. Результатом такой политики стали анимационные фильмы «Каракули котёнка»(1957), «Легенда о белой змее» (1958), и «Путешествие на Запад» (1960). Все три можно свободно посмотреть на «YouTube» (раз, два и три), а у второго фильма отдельный исторический интерес представляет ещё и своего рода трейлер, в котором Окава Хироси лично представляет и обозревает свою анимационную студию, на чём Юлия Магера даже остановилась отдельно: Затем лекция плавно перешла к личности Осаму Тэдзуки, которому в ней была посвящёна значительная и чуть ли не основная часть — «бог манги» и один из пионеров современного аниме, как-никак. Бегло упомянув зажиточное детство этого художественного деятеля и первый его опыт вместе со студией Toei (упомянутое выше «Путешествие на Запад» является экранизацией тэдзуковской манги «Gokuu no Daibouken» и создавалась с непосредственным его участием), Юлия Магера вскоре перешла к тем новшествам, что этот человек привнёс в ещё зарождающуюся аниме-индустрию, и тому, как это всё до сих пор определяло и определяет её развитие на протяжении десятилетий. Были подмечены очевидные заимствования у Диснея (параллели между злой колдуньей из диснеевской «Белоснежки» (1937) и старухой-процентщицей тэдзуковского видения «Преступления и наказания» (1957), диснеевским «Mickey Mouse Outwits the Phantom Blot» (1939) и тэдзуковским «Shin Takarajima» (1947), и т.д.) и передовые находки тэдзуковской студии Mushi Production и первого её хита «Tetsuwan Atom» (еженедельный выход эпизодов, 20-минутный формат серии, экспериментирование с заимствованной на Западе лимитированной анимацией). Так, на примере отрывка из «Могучего Атома» были наглядно показаны как комичная анимация движений персонажей в стиле студии Уолта Диснея, так и её 6-кадровый характер, унаследованный от студии Ханна-Барбера. Помимо этого, лекцией были охвачены три принципа Осаму Тэдзуки и его же «Система знаменитостей». К первым относятся уже упомянутая лимитированная анимация (в противовес полной у Хаяо Миядзаки), принцип хранения материалов (создание и хранение целлулоидов с задними фонами, которые можно было неоднократно использовать в производстве анимации; вероятно, отсюда же привычка оставлять шаблоны эмоций и визуальные клише для себя и ассистентов с целью упрощения работы над объёмными проектами) и роялти (отчисления с продажи сопутствующих товаров, проще говоря). «Система знаменитостей» же представляет собой личную находку Осаму Тэдзуки, которая у прочих его коллег не особенно прижилась. Суть её в том, что репертуар авторских персонажей как бы является актёрами на манер кинематографа, подходящими на определённый круг ролей на усмотрение автора. Притом у персонажей от произведения к произведению могли меняться имена или внешность (сопоставление персонажей с животными), а некоторые из них так и вовсе были срисованы с реальных людей: узнаваемых актёров, друзей и коллег Тэдзуки, да и с него самого — в этом проявляется любовь «бога манги» к кинематографу, а отчасти и к театру Такарадзука, который любила и мать обсуждаемого художественного деятеля. Таким образом, многих персонажей автора можно повстречать в самых разных его работах. Юлия Магера приводит множество примеров этому явлению, среди которых Сапфир(«Принцесса-рыцарь», «Могучий Атом», «Блэк Джек») или Сикисима Кэнъити ( «Метрополис», «Император джунглей», «Новый остров сокровищ»). Следующая часть лекции охватила эпоху бума VHS и жанра «меха» в аниме, а также зарождения термина «отаку» (оказывается, самое первое засвидетельствованное появление термина относится к оригинальному аниме «Macross» (1982) — этот факт был в новинку и для меня самого, даже будучи знакомым с тайтлом), для которой впервые и как никогда раньше стала характерна концентрация внимания прежде всего на привлекательных персонажах, популярной музыке и айдол-певицах, нежели на самой рассказываемой истории. Всё это зачатки того, что сегодня принято называть фансервисом. И именно этот период (70-80-е), во многом наступивший благодаря активности Осаму Тэдзуки до этого, пожалуй, и стал поворотным в развитии аниме-индустрии, ведь именно тогда акцент в производстве анимации начинает смещаться с истории в целом на те отдельные элементы, которые обязательно вызовут отклик у своего потребителя, понравятся и запомнятся ему и будут им впоследствии узнаваться и собираться вновь в нечто новое. Юлия Магера приводит три периода развития этого процесса по мнению японского критика Хироки Адзумы: 45-70-е — период до постмодернизма (преобладание больших нарративов); 70-95-е — первый период постмодернизма (размыв больших нарративов, влияние творчества фанатов на итоговый продукт); с 95-го — второй период постмодернизма (собрание воедино многообразия базовых элементов с учётом предпочтений ЦА, малые нарративы).Первый период и большие нарративы уже были рассмотрены в статье до этого, а в связи с последним из них Юлия Магера привела пример из «Neon Genesis Evangelion» (1995), когда не понравившиеся поклонникам сериала эпизоды 25 и 26 были в итоге пересняты в фильм, известный как «The End of Evangelion»(1997). Этот же третий период ярко отражает концепцию деконструкции Жака Дерриды, когда образы создаются на основе деконструкции из многих заимствованных элементов, которые, перемешиваясь заново и внедряясь в новую среду, образуют новые значения и смыслы. Буквальным олицетворением этого принципа можно назвать одного из персонажей «One Piece» по имени Энель, в образе которого сочетаются Эминем и японский бог грома Райдзин, а дальнейшим развитием через призму «моэ» — Дэдзико из «Di Gi Charat», которая, будучи ещё и персонажем-маскотом магазина «Gamers», сочетает в своём образе целый ряд элементов-фетишей, вызывающих отклик своей ЦА: одежду горничной, бубенцы, кошачьи ушки и так далее. Будучи собраны в системы данных, накопленные базовые элементы формируют визуальный язык и впоследствии могут применяться для создания целых типажей персонажей, примерами чего в лекции указываются Ичиго Куросаки и Наруто Удзумаки (колючие золотистые волосы как символ открытости и взбалмошности характеров), Утиха Саскэ и Исида Урью(ниспадающие тёмные волосы как символ сдержанности и рассудительности), а также Такаси Нацумэ, Гинко и Аптекарь («пшеничные» ниспадающие локоны, спокойствие лиц и предпочтения в одежде словно намекают на связь их владельцев с потусторонним миром). Сюда же идут образы так называемых «волшебных помощников», к которым можно отнести Луну, Дораэмона или Мадару и которые также собраны из отдельных элементов разного происхождения, так или иначе намекающих на качества получившихся в итоге персонажей и обуславливающих любовь публики. Так, ошейник с бубенчиком выдаёт в Дораэмоне именно кота, а не, скажем, тюленя. Иными словами, «волшебный помощник» — точно такой же повторяющийся троп, призванный вызывать в зрителе отклик. И это наконец-то подводит нас к «Покемонам»… Изначально игра, впоследствии выросшая в целую медиафраншизу, в рамках лекции Юлии Магеры оказалась интересна тем, что в ней история совсем уже уходит на второй план, а во главу угла ставится дизайн персонажей. А дело всё в том, что, по задумке авторов, в игре карманных монстров необходимо было собирать, ими же для этого можно ещё и меняться, и, чтобы побудить игроков к этому действию, как раз таки и нужны были такие приятные образы существ, что играющим обязательно захотелось бы собрать их всех до единого. В качестве примера такого подхода приводится, разумеется, Пикачу — кавайныймонстр, с головы до пят образуемый из характерных элементов, заимствованных там и сям. Так, тело его пухлое, словно у хомяка, а уши беличьи, ведь один из придумщиков хотел себе домашнюю белку, на которых в Японии того времени был самый настоящий бум (а чёрные кончики ушей — дань уважения первым чёрно-белым играм серии). При этом Пикачу — это вовсе не заяц, а самая настоящая мышь, а хвост у него в форме молнии, ссылкой на которую является и «Пика» (звукоподражание электрической искре) в названии, тогда как «Чу» — звукоподражание писку мыши. В результате такой вот дикой ономатопеи получается благозвучное и милое любому уху «Пикачу», в чём и состояла цель придумщиков образа. Наконец, хвост-молния, как и румяные щёки-индикаторы заряда «дэнки-букуро» («мешочки с электричеством»), снова намекают на связь с синтоистским божеством Райдзином, а одними из предполагаемых имён Пикачу на стадии разработки были «Райчу» или «Горочу» («горо-горо» — звук раскатов грома). Совершенно неудивительно, что при такой-то проработке образа обсуждаемый жёлтый зверёк из обычного вымышленного для игры существа вымахал аж в маскота-талисмана целой франшизы. И его влияние велико даже вне неё! Так, выбрался Пикачу и в западное кино, и в рекламу авиакомпаний, в честь него проводится ежегодный фестиваль «Pikachu Outbreak» в Йокогаме, а ещё он популяризовал японские аналоги персонажей-маскотов «юру-кяра» и вдохновил аж целого певца Макса Барского на вот такое фото, сам бы о котором (как , собственно, и о самом певце) я бы без Юлии Магеры точно никогда не узнал: Подводя итог сказанному, лекция Юлии Магеры «Как зародилось аниме? История мира покемонов» попросту обречена была, ввиду числа собранных в ней фактов, так или иначе оказаться познавательной широкому кругу слушателей. Кто-то мог уже быть знаком с «Namakura Gatana», но не знать про фото Макса Барского или принципы Осаму Тэдзуки и его «Систему знаменитостей», и так далее. Так что сходить на мероприятие в любом случае было любопытно, а для тех, кто не смог или не захотел, есть вот эта вот статья. Справедливости ради, отдельные положения и материалы лекции можно отыскать в двух выпусках сборника статей «Манга в Японии и России», для которого Юлия Магера являлась редактором-составителем, но новое переложение материала, в соответствии с положениями на лекции же и рассмотренной концепции деконструкции, рождает новые смыслы и значения, так что ничего плохого в таком вот переосмыслении я не вижу. Спасибо организаторам данного события и Юлии Магере в частности за грамотно подготовленные речь и презентацию, а также за свежую пищу для размышлений, чего уж там! И на этом у меня всё! Оригинальная статья

Ещё один пример неприкрытого продакт-плейсмента - японский фотоаппарат Nikon - на сей раз из 60-го эпизода «Ranma 1/2» под названием «Toujou! Monomane Kakutōgi» («Встречайте! Искусство боевой имитации»). А в не так давно посетившем наши кинотеатры «Mirai no Mirai» был ещё один фотоаппарат той же марки, но там продакт-плейсмент как раз таки оказался прикрыт... уголком полки. Слёту не разглядишь, а на прочих кадрах данный фотик слишком мелкий, так что при первом просмотре я его даже перепутал было с Canon EOS. Скрытый текст

1-3 серии: Рад, что нашёл таки время посмотреть. Очень многое тут сделано правильно, и только ленивые хитрости аниматоров в некоторых экшн-сценах слегка ослабляют сильную магию очарования сериала. Крутые ED, OP и интро перед OP'ом вызывают ощущение чего-то олдскульного, несоответствующего нынешней эпохе. Арабские мотивы в OST'е сразу намекают на террористическую / политическую нотку в сюжете, и так оно и оказывается в итоге. В этом плане сериал мне напомнил сразу несколько относительно недавних вещей: «Banana Fish» (банды и майнд-контроль через наркотики), «Devil's Line» (фантастический расизм и закулисные интриги с предательствами /изменой в силовых структурах на этой почве), «RobiHachi» (бардак глобализированного смешанного общества и интро в довесок к OP'у на манер «Ранмы»). Из старых вещей напоминает «City Hunter». Только тем, что освещает серую зону законности, в которой крутятся не только бандиты и маргиналы, но и хорошие, в принципе, парни, вынужденные когда-то там оказаться по своим сложным запутанным причинам . Центральный дуэт во всех смыслах отлично продуман: начиная с дизайна и заканчивая характерами, моментально вступающими в химические реакции друг с другом. Также тут явно неплохо продуман сеттинг, радующий приятными мелочами вроде каламбуров несуществующего языка (привет, страхолюдный пугливый котейка!) и выкладок о культурных традициях гостей иной цивилизации (оставленный на сохранение меч). Сюжет интригует. У Кея уже вагон скелетов прошлого в шкафу, а Тиларна компенсирует их отсутствие, внезапно, отсутствием опыта, заставляющим её охотно его обретать в самых нелепых формах, а также иноземным колоритом. Русское название мне ещё не очень нравится. Я понимаю, что там идёт попытка передать «Witchcraft», спрятавшийся в оригинальном названии, и полицейскую тему, но «Коп-чародей» - это как-то совсем мимо, имхо. Даже «Полицейское ремесло» звучит по-приятнее, пусть и теряя «колдунство» в названии. Ещё сюда бы музыкальное сопровождение из соседнего «BEM'а», и градус нуарного бади-муви бы тут просто зашкаливал, вызывая потоки крови из носовых отверстий зрителей. Но и так весьма-весьма недурно. Стремительность перестрелок и серьёзность замеса (я имею ввиду масштаб и возможные последствия показанного заговора) делают своё дело. Крепкая работа.

Информация о поджигателе с Санкаку:

Ещё немного находок. Самая ценная - полнокомплектный «Donkey Kong Country» для Super Famicom (не заказывал, нашёл в магазине):

Заскочил сегодня на J-FEST - ежегодный фестиваль японской культуры в парке Горького. Третий раз сюда прихожу, и третий же раз меня встречает всё тот же традиционный японский барабан тайко да хоровод людей, танцующих бон-одори (в этот раз, правда, почему-то под песню в жанре энка, нежели под более подходящую в жанре ондо). Всё те же палатки-едальни (из парка в Сокольниках?) с бесконечными очередями, ларьки со стандартной и скучной аниме-атрибутикой и безынтересными фигурками, пара турагенств, бритвы Philips, филиал Юникло и толпы весело проводящих время косплееров на любой вкус. 27-летний тихий анимешник, то бишь я, точно уже вырос из всего этого, но, справедливости ради, для семейного и особенно молодёжного времяпрепровождения тут заготовлена богатая программа с мастер-классами, играми, парадами. Но всё довольно поверхностного уровня, как мне показалось, да и в такой толкучке наслаждаться всем этим тяжело. В программе мероприятия числится также показ пары интересных полнометражных аниме, но оба почему-то запланированы очень поздно. Тем не менее и усталым великовозрастным поклонникам японской культуры, заскочившим между делом, тут тоже найдётся чем поживиться: 1) У информационного стенда за даром раздают пару-тройку брошюр, журналов и буклетов о разных аспектах Страны восходящего солнца. 2) В центр Москвы со своей окраины выбирается магазинчик Истари Комикс с новым сборником произведений Миядзавы Кэндзи и манга-новинками. 3) В филиале Юникло, внезапно, можно запросто найти Дораэмона в шкурке от современного художника Такаси Мураками, который уже как-то приезжал в парк Горького в музей Гараж со своей выставкой. В городских магазинах Юникло я такую игрушку так ни разу так и не встретил, а вот в выездном сегодня она оказалась. Но этого, конечно, лично мне маловато, а всё прочее я уже видел в прошлые два посещения, так что скорее всего нынешнее окажется для меня и финальным. Фотографий практически не делал по той же причине. Идти на мероприятие по-прежнему рекомендую исключительно в компании друзей, иначе будет скучновато. Вход свободный. Программа мероприятия: https://garagemca.org/ru/event/j-fest-summer-2019?utm_source=vk&utm_medium=paradoksjapan&utm_campaign=jfest Немного фото: Скрытый текст

Ходите в аниме-магазины, товарищи! Нынче вот заскочил в московский «Аниме Рай» на Пражской, и в руки мне попало, похоже, нечто весьма редкое. Насколько мне известно, лицензия от МС в «стекле» в целом не особенно часто сейчас встречается на полках магазинов, только остатки. Но вот чтобы такое издание шло ещё и с официальным артбуком (не в составе коллекционного издания, а просто в целлофане) - такое впервые вижу я, такое и сами продавец с администратором не ожидали обнаружить, искренне удивившись моей находке уже на кассе. А нашёл я «Исток» («Giniro no Kami no Agito», 2006). Его малоформатный артбук в мягкой обложке уже дома распаковал, в нём 38 цветных страниц с дизайном персонажей, локаций, а ещё пейзажи, постеры да концепт-арты - всё как положено. Помимо того, отхватил ещё целую стопку лицензионного «стекла», среди которой, к моему превеликому удовольствию, оказался и целиковый «Изгнанник» («Last Exile», 2003), который я уже давно хочу посмотреть. Увидев мою увлечённость, администратор аж расчувствовался и отдал ещё один DVD даром («Нуар» / «Noir», 2001 - диск 1 от Mega-Anime). Сам бы я его не выбрал, так как это только первый диск из нескольких (и отсутствующих), но, придя домой, был приятно удивлён, ведь внутри обнаружил интересное наполнение в виде открыток, буклета-артбука и внутренней коробки-вкладыша изящного оформления с карманом под крышку от часов. Вот такие сюрпризы случаются, если пополнять свою коллекцию не только при помощи высоких технологий в виде Интернета, а выбираясь иногда из дома и изучая городские тематические магазины. В другом вот таком полнокомплектный «Onimusha 2» на PS2 нашёлся. Profit! Скрытый текст

Тут нет проблемы, это фишка. Нацумэ, как и Аситака «Принцессы Мононокэ» в некотором смысле (или Арата в недавних «Государственных служащих полуночи», или даже Китаро из одноимённой истории), находится в нейтральной позиции и понимает обе стороны «конфликта». Такие люди обычно пытаются найти компромисс и угодить всем. Но это требует времени, терпения и проницательности, чем зачастую неспособны похвастаться окружающие таких персонажей, как Нацумэ. Вот и получается, что многое решается другими за них и не всегда идеально, но не потому, что такие герои нерешительны, а потому что их проблемы и решение таких проблем очень неоднозначны, а Нацумэ с его аналогами из других историй эту неоднозначность чувствуют острее других и не могут отвернуться от одних участников конфликта в пользу других. Мне кажется, что такие истории скорее не о том, чтобы наконец-то понять, что ты человек и надо убить всех йокаев (или наоборот), а о сложнейшем пути к достижению компромисса. И именно поэтому все пляшут вокруг Нацумэ и решают ситуации часто за него, ведь он, наблюдая за ними, должен сделать выбор или прийти к верному идеальному решению. Да, Нацумэ не учится боевому экзорцизму, но он учится пониманию всех граней ситуации, сложившейся между людьми и йокаями, учится разбираться в сортах ёкаев и людей. Почему так и (предположительно) зачем, я уже объяснил в процессе этого рассуждения. Это не баттл-сёнен и не фэнтези, чтобы быть про кровавый многовековой мордобой, решаемый силой. Это созерцательная повседневность про понимание мира и жизни, родившейся в нём. Впрочем, это вопрос точки зрения. Я привык понимать так.

Орэ га Кенширо да! АТАТАТ! Кстати, его же зовут Мачио Нарузо - что-то вроде «Буду / стану мачо» же. :teeth:

Вероятно, чуть подробнее с Санкаку: Ужас, конечно.

*дурачество в самом разгаре, слова не эффективны*